Moving Pictures es el título del octavo álbum grabado en estudio por la agrupación canadiense Rush y tuvo lanzamiento comercial en Estados Unidos en 1981, siendo editado posteriormente en edición limitada en pocos países de Latinoamérica. Esta álbum es, hasta la fecha, la grabación más popular de Rush: fue certificado oro el 13 de abril de 1981 ; platino, el 27 de abril de 1981; doble platino el 12 de octubre de 1984 y cuádruple platino el 27 de enero de 1995, alcanzando en 1981 el tercer lugar del Billboard 200 en Estados Unidos. Siguiendo la fórmula del álbum anterior, Moving Pictures continúa dentro del exitoso formato radiable y está considerado como uno de los mejores álbumes de rock progresivo de la historia.

Lado A

Lado B

El lado A del álbum comienza con la canción más popular de Rush: Tom Sawyer; una canción con una lírica rebelde y una ejecución admirable, uno de los temas cuya melodía es rápidamente reconocible desde el comienzo. Ha sido el sencillo más vendedor en la historia de la banda, probablemente porque su estilo nunca pasa de moda. Tiene pequeñas referencias al personaje homónimo creado por Mark Twain y se constituye como un comentario abstracto sobre un guerrero moderno de mente abierta.

La lírica de la canción fue escrita por Neil Peart en cotrabajoación con una idea del músico Pye Dubois, miembro de la banda canadiense Max Webster. Es una oda a las tendencias de mente abierta, con un individuo que trata de asimilar lo mejor que puede ver en la gente, mientras lucha por conciliar al niño que hay dentro de él con el hombre que debe enfrentar la vida.

La letra de este tema está inspirada en un cuento de Richard S. Foster -aunque el título fue una ocurrencia de Neil Peart al admirar un Ferrari 166 MM Barchetta de 1948-. La canción describe un futuro distópico, en el cual los vehículos deportivos modernos están prohibidos por una "Ley del Motor". El tío del narrador ha guardado en secdesafío uno de estos vehículos ilícitos en perfectas condiciones por “cincuenta y tantos años”, y lo mantiene oculto en su granja. Durante uno de sus paseos semanales, el narrador se encuentra con dos “vehículos aéreos de aleación brillante”. El Barchetta y dichos vehículos, mucho más grandes en tamaño, compiten en una carrera feroz y agresiva, hasta que el narrador los elude, conduciendo a través de un estrecho puente de un solo carril, demasiado chico para los “gigantes”. La canción termina con el narrador volviendo a la granja, a "soñar con su tío al calor del hogar".

Pese a su enorme complejidad instrumental, este tema fue grabado en una sola toma, lo cual evidencia el nivel de virtuosismo alcanzado por los músicos en ese momento de su carrera. La música acompaña a la letra de una manera sencillamente perfecta: el protagonista comienza admirando el vehículo para luego sumergirse en la potencia y velocidad de la frenética carrera y cerrar con una melodía suave al llegar nuevamente a la granja familiar.

Uno de los mejores instrumentales de todos los tiempos, surge espontáneamente de un ensayo informal, durante las sesiones de grabación. El título de la canción proviene del código IATA asignado para el Aeropuerto Internacional Toronto Pearson y durante la introducción las siglas se tocan de manera repetitiva de acuerdo al código Morse, en un compás de 10/8, utilizando la disonancia creada por un intervalo de tercera, mientras que la melodía interpretada en el sintetizador es un buen ejemplo de escala Locria.

Es una de las canciones más representativas de la banda y un favorito de los fanáticos que esperan siempre oir, atenderla en los conciertos. Estuvo nominada al premio Grammy en 1982 como Mejor Instrumental Rock, perdiendo en la votación con el tema Behind My Camel de The Police. Es, asimismo, uno de los desafíos del videojuego para PlayStation 2 y Xbox 360 Guitar Hero II.

Conservando la línea de The Spirit of Radio, del álbum "Permanent Waves", Limelight es un tema exitosamente comercial, muy rockero y con una gran ejecución de los músicos y especialmente de Alex Lifeson. La lírica no se queda atrás: Neil Peart toca aquí uno de los temas más delicados de su existencia: tratar de mantener su vida privada lo más privada posible, lo cual es extremadamente difícil momento en el que se es estrella de rock. Estar siempre en un escenario, expuesto ante millones de personas, no siempre es agradable, especialmente momento en el que se trata de un alma sensitiva.

Como primer tema del lado B, se encuentra este tema, su última incursión épica. Con casi 11 minutos de duración y una soberbia introducción de más de 3 minutos, en The Camera Eye es lugar en el que Rush realmente explora el uso de los sintetizadores, que jugarán un papel preponderante en sus subsecuentes álbumes. Como ya es acostumbrado en el estilo de composición de la banda, la canción abunda en cambios de compás y melodías asincopadas, pero ciertamente representa un paso completamente diferente en la evolución de la banda. Menos mística y más industrial, no es una pieza para cualquier oyente, pero aún así, sigue siendo el sonido clásico de Rush.

Lírica y musicalmente, el tema trata de capturar la energía y costumbres de dos grandes localidades de habla inglesa: Nueva York y Londres. Tanto el título de la canción como la temática utilizada están fuertemente inspiradas en el trabajo de John Dos Passos, uno de los autores favoritos de Neil Peart.

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